Élaborer une présentation scénique pour valoriser un atelier annuel

La formation dispensée par Gérard Gallego et Philippe Vallepin a été intense et riche d’enseignements, à bien des égards.
Techniquement, tout d’abord, car telle était ma demande première. Les différents cas pratiques proposés poussent à se questionner sur la manière d’aborder la mise en scène d’un spectacle, où comment utiliser notre créativité pour transmettre des émotions, des intentions. La passion transmise par les formateurs permet de cerner l’enjeu théâtral: l’art de l’oralité, qui englobe le respect de la rythmique du texte, de l’intention de l’auteur, de la syntaxe, de la diction, de l’adresse de la parole, de la réception de la parole de l’autre… J’ai reçu des vagues d’informations, qui précisent la difficulté de la justesse du jeu et de la mise en scène, le nécessaire recul à prendre sur la visualisation du travail pour laisser place à la création dans l’instant présent. J’ai pu comprendre combien il est important de porter une écoute relâchée et globale à ce qui se vit pour en retirer les éléments moteurs de la création artistique. Reste à exercer son regard pour saisir spontanément ce qui se vit et qui ne se fabrique pas.
Humainement ensuite, j’ai été fragilisé dans un premier temps. Coureur de fond, il m’a été demandé de lever la tête du guidon. Me décentrer pour voir ce qui se passe, pour vivre les choses plutôt que de les induire. C’est une claque, un bouleversement qui donne l’impression de ne plus savoir par quel endroit s’attaquer à la création. L’énergie qui me protège, qui amène les comédiens à se surpasser mais simplement en répondant à mes attentes, à ma propre visualisation, s’est transformée en une bête sauvage intérieure qu’il faudra apprendre à dompter et à frustrer pour laisser du temps, prendre du temps.
Comprendre une chose: je viens faire-faire du théâtre, je ne viens pas faire du théâtre. Ma passion doit être partagée, non pas démontrée. Comme les comédiens, je dois vivre les choses, et ne pas les fabriquer. Accepter l’échec, pour mieux construire. Accepter le silence, pour mieux parler. Accepter le recul, pour mieux sauter. Choisir des mots qui ne me dépassent pas, écouter ce que je dis et ne pas le dire si je n’en suis pas convaincu. Ne pas chercher à plaire, chercher à être authentique.
Le contenu du stage m’a fait découvrir diverses approches de la mise en scène. Ma question, en fin de session, n’était pas anodine: « quelle est la définition de la mise en scène? ». Une semaine ne suffit pas à y répondre. Y a t-il autant d’approches que de metteur en scène ? Quelle est la place des conventions ? Quel est le socle commun technique ? L’espace, le mouvement, l’intention, le rythme, l’esthétique, les émotions, la relation à l’autre, au public … autant de notions techniques à maîtriser pour un seul homme !
Le chemin est long, sinueux, mais la formation m’a indiqué la direction à suivre alors que je faisais fausse-route. Et j’ai rempli mon sac à dos de quelques outils supplémentaires pour gravir la montagne sans tomber de trop haut.

Il y a des habitudes qui commencent à se prendre avec Gérard Gallego. Pour la seconde fois, j’ai la chance de faire partie du premier groupe de stagiaires. Chance car on sent dans ces espaces qu’il y a un vrai lieu de création, où les choses ne sont pas figées et évoluent au fil des jours et des propositions.
Je ne savais pas à quoi m’attendre avant de venir à cette formation. Comment faire travailler un groupe en quelques heures sur un projet ?
Nous avons pu chacun explorer les univers des uns des autres, tous dans des champs très distincts. D’une part, nous avons pu assister au montage de scène et à la création d’une direction artistique, en l’espace d’une poignée d’heures. D’autre part, nous repartons avec une valise plus riche de matériel en lien direct avec notre projet actuel ou en réserve pour la suite. Riche des expériences des autres, apports théoriques ainsi que des exercices proposés.
Le duo Philippe/Gérard fonctionne très bien. Philippe Vallepin intervient tant dans la direction d’acteur/metteur en scène que dans l’éclairage théorique d’un point précis. La question a été posée d’établir un cadre plus formel au niveau des apports théoriques. J’ai apprécié que ceux-ci viennent à la rencontre de ce qui se passait sur le plateau. Ils venaient en éclairage ou complément, en lien direct avec une action. Cela correspond à mon fonctionnement. Peut-être faut-il réfléchir à un entre deux, entre les apports nécessaires et ceux issus d’une question posée sur le plateau ?
Gérard a une vision plus globale de notre manière d’aborder l’atelier. Il commence également à nous connaître et peut ainsi poursuivre le travail d’accompagnement à l’accompagnement. Quatre années séparaient les stages de niveau 1 et 2 ce qui m’a permis de faire le point sur ce qui fonctionnait et ce qui restait à travailler.
Pour conclure, il me semble important de ne pas formaliser cette formation et de rester adapté aux stagiaires qui la constitue. Nous repartons avec l’idée très claire d’avoir franchi un nouveau cap dans l’animation d’atelier. Aujourd’hui nous prenons conscience qu’au delà de l’animation, il y a la création d’un objet artistique. Les ateliers que j’anime sont avant tout constitués d’objectifs appartenant au champ du social. Le fait de monter un spectacle n’est pas une commande obligatoire. Elle naît en général d’une demande du groupe. Nous insistons à ce moment là sur le fait que si nous préparons un spectacle, nous sommes exigeants dans sa réalisation de manière à présenter un réel travail d’atelier et non une « kermesse de fin d’année ». Le travail réalisé au cours de cette formation vient conforter cette idée.
Un grand merci à Gérard et Philippe pour leurs apports ainsi qu’aux membres du groupe qui ont permis la richesse de cette semaine